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Fragment peint d'une femme thébaine

Fragment peint d'une femme thébaine


Mary Stevenson Cassatt est née le 22 mai 1844 à Allegheny City, en Pennsylvanie. Cassatt était la fille d'un courtier immobilier et d'investissement aisé, et son éducation reflétait son statut social élevé. Sa scolarité l'a préparée à être une véritable épouse et mère et comprenait des cours tels que l'entretien ménager, la broderie, la musique, le dessin et la peinture. Au cours des années 1850, les Cassatt emmenèrent leurs enfants à l'étranger pour vivre en Europe pendant plusieurs années.

Bien que les femmes de son époque aient été découragées de poursuivre une carrière, Cassatt s'est inscrite à l'Académie des beaux-arts de Philadelphie et de Pennsylvanie à l'âge de 16 ans. Sans surprise, elle a trouvé les professeurs masculins et ses camarades condescendants et rancuniers de sa présence. Cassatt est également devenu frustré par le rythme lent du curriculum et les offres de cours inadéquates. Elle a décidé de quitter le programme et de déménager en Europe où elle pourrait étudier seule les œuvres des maîtres anciens.

Malgré les fortes objections de sa famille (son père déclara qu'il préférait voir sa fille morte plutôt que de vivre à l'étranger en "bohème"), Cassatt partit pour Paris en 1866. Elle commença ses études par des cours particuliers d'art au Louvre, où elle étudiera et copiera des chefs-d'œuvre. . Elle a continué à étudier et à peindre dans une relative obscurité jusqu'en 1868, lorsqu'un de ses portraits a été sélectionné au prestigieux Salon de Paris, une exposition annuelle organisée par le gouvernement français. Avec des mots désapprobateurs de son père résonnant dans ses oreilles, Cassatt a soumis la peinture bien reçue sous le nom de Mary Stevenson.


PEINTURES DE VINCENT VAN GOGH

Entre novembre 1881 et juillet 1890, Vincent van Gogh a peint près de 900 tableaux. Depuis sa mort, il est devenu l'un des peintres les plus célèbres au monde. Les peintures de Van Gogh ont capturé l'esprit et le cœur de millions d'amateurs d'art et ont fait des amateurs d'art de ceux qui découvrent le monde de l'art. Les extraits suivants sont des lettres que Van Gogh a écrites exprimant comment il a évolué en tant que peintre. Il existe également des liens vers des pages décrivant en détail certaines des peintures les plus célèbres de Vincent van Gogh, Nuit étoilée, Tournesols, Iris, Coquelicots, La chambre, Amandier en fleurs, Le mûrier, Le Café de nuit et Les mangeurs de pommes de terre.

En décembre 1881, à l'âge de 28 ans alors qu'il commençait ses premières toiles, Vincent écrivit à son frère Théo pour devenir peintre,

« Theo, je suis tellement content de ma paintbox, et je pense que je l'obtiens maintenant, après avoir dessiné presque exclusivement pendant au moins un an, mieux que si j'avais commencé avec ça tout de suite… Car, Theo, avec la peinture ma vraie carrière commence. Ne pensez-vous pas que j'ai raison de le considérer ainsi ? »

Van Gogh travaillait à un rythme fébrile, ce qui lui coûtait de l'argent, lui causait un stress mental et physique et ne lui laissait pas de temps pour une autre source de revenus. Mais il était persévérant. Dans une lettre de mars 1882, Van Gogh écrivit à nouveau à son frère Theo,

« Bien que je me trouve dans des difficultés financières, j'ai néanmoins le sentiment qu'il n'y a rien de plus solide qu'un 'artisanat' au sens littéral du travail de ses mains. Si vous deveniez peintre, une des choses qui vous surprendrait, c'est que la peinture et tout ce qui s'y rapporte est un travail assez dur sur le plan physique. Laissant de côté l'effort mental, la pensée dure, cela demande un effort physique considérable, et ce jour après jour.

Dans la même lettre à Theo de 1882, Van Gogh écrit :

"Il y a deux manières de penser la peinture, comment ne pas la faire et comment la faire : comment la faire - avec beaucoup de dessin et peu de couleur comment ne pas la faire - avec beaucoup de couleur et peu de dessin."

Le tableau le plus célèbre de Van Gogh est passé en revue ainsi que La Nuit étoilée sur le Rhône et La Terrasse du Café sur la Place du Forum, Arles, la nuit.

Van Gogh croyait fermement que pour être un grand peintre, il fallait d'abord maîtriser le dessin avant d'ajouter de la couleur. Au fil des ans, Van Gogh a clairement maîtrisé le dessin et a commencé à utiliser plus de couleurs. Avec le temps, l'un des aspects les plus reconnaissables des peintures de Van Gogh est devenu son utilisation audacieuse de la couleur. Cela est évident dans les paysages de Van Gogh et ses natures mortes

Environ un an avant sa mort, Van Gogh avait prédit qu'il y aurait un grand « peintre du futur » qui saurait utiliser la couleur comme personne d'autre et deviendrait l'avenir de la peinture. Il l'a exprimé dans une lettre à son frère Theo en mai 1888,

« Quant à moi, je continuerai à travailler, et ici et là quelque chose de mon travail s'avérera durablement précieux - mais qui y aura-t-il à faire pour la peinture figurative ce que Claude Monet a fait pour le paysage ? Cependant, vous devez sentir, comme moi, que quelqu'un comme ça est en route - Rodin ? - il n'utilise pas de couleur - ce ne sera pas lui. Mais le peintre du futur sera un coloriste comme on n'en a encore jamais vu.

La célèbre collection de natures mortes de Vincent van Gogh est détaillée ici.

Mais je suis sûr que j'ai raison de penser qu'il viendra dans une génération ultérieure, et c'est à nous de faire tout notre possible pour l'encourager, sans question ni plainte.

Au cours de sa vie, Van Gogh n'a jamais été célèbre en tant que peintre et a lutté pour gagner sa vie en tant qu'artiste. Van Gogh n'a vendu qu'un seul tableau de son vivant The Red Vineyard. Ce tableau s'est vendu à Bruxelles pour 400 francs quelques mois seulement avant sa mort.

Vincent van Gogh est décédé à l'âge de 37 ans mettant fin à sa carrière de peintre, mais commençant son héritage en tant que grand peintre du futur qui a inspiré le monde.

Environ une semaine après sa mort, le frère de Van Gogh, Theo, a écrit à sa sœur Elizabeth au sujet de l'héritage de Van Gogh en tant que grand artiste,

« Dans la dernière lettre qu'il m'a écrite et qui date d'environ quatre jours avant sa mort, il est dit : « J'essaie de faire aussi bien que certains peintres que j'ai beaucoup aimés et admirés. Les gens devraient se rendre compte qu'il était un grand artiste, ce qui coïncide souvent avec le fait d'être un grand être humain. Au fil du temps, cela sera sûrement reconnu, et beaucoup regretteront sa mort prématurée. »

Vincent van Gogh est décédé à l'âge de 37 ans mettant fin à sa carrière de peintre, mais commençant son héritage en tant que grand peintre du futur qui a inspiré le monde. Aujourd'hui, il reste un mystère quant à ce qu'était le dernier tableau de Van Gogh avant sa mort. Découvrez quelles peintures parmi ses œuvres finales sont peut-être considérées comme le dernier tableau de Vincent van Gogh.


Frida Kahlo&aposs Accident

Le 17 septembre 1925, Kahlo et Alejandro Gómez Arias, un ami d'école avec qui elle était amoureuse, voyageaient ensemble dans un bus lorsque le véhicule est entré en collision avec un tramway. À la suite de la collision, Kahlo a été empalée par une main courante en acier, qui est entrée dans sa hanche et est ressortie de l'autre côté. Elle a subi plusieurs blessures graves, notamment des fractures de la colonne vertébrale et du bassin.

Après avoir séjourné à l'hôpital de la Croix-Rouge à Mexico pendant plusieurs semaines, Kahlo est rentré chez lui pour récupérer davantage. Elle a commencé à peindre pendant sa convalescence et a terminé son premier autoportrait l'année suivante, qu'elle a donné à Gómez Arias.


Analyse des Demoiselles d'Avignon de Picasso

Picasso - souvent mis entre parenthèses avec Marcel Duchamp (1887-1968) et Matisse (1869-1954), comme l'un des artistes modernes les plus influents - était un innovateur agité dont la plus grande réussite a été la co-invention (avec Georges Braque) du "Cubisme" - une manière révolutionnaire de représenter la réalité dans une peinture. En concevant ce nouvel idiome « cubiste », Picasso a rejeté la méthode traditionnelle de la peinture qui consistait à créer l'illusion d'une image en trois dimensions. Au lieu de cela, il a souligné la nature plate et bidimensionnelle de l'image et a évité l'utilisation de techniques traditionnelles - comme la perspective linéaire et le raccourcissement, ainsi que clair-obscur et la modélisation. En utilisant la méthode de peinture « Cubiste », Picasso et d'autres peintres cubistes ont désassemblé des personnes et des objets en « instantanés » plats (vues de la personne/de l'objet) qu'ils ont ensuite disposés en une série de plans transparents/opaques qui se chevauchent. Cela a permis à un objet d'être vu à partir d'une multiplicité de points de vue (se produisant peut-être à des moments différents), au lieu d'un seul point de vue (à un moment particulier).

Bien sûr, Picasso et Braque n'ont pas inventé ce nouveau "Cubisme" du jour au lendemain. Il s'agissait d'un processus progressif d'expérimentation qui a occupé les deux artistes (indépendamment pour commencer) au cours de la période 1908-10.

Mais Les Demoiselles d'Avignon (1907) est traditionnellement considéré comme le pivot de Picasso premier pas vers le nouveau style cubiste, une étape qui l'a établi comme le leader de l'art d'avant-garde à Paris. Pour s'y préparer, Picasso a réalisé des centaines de dessins et autres études préparatoires, dont le dessin au fusain Nu aux bras levés (1907), et Tête de femme endormie (Étude pour Nu avec draperie) (1907, Museum of Modern Art, New York). Il est également intéressant de noter qu'il a été peint à la fin de sa période "Nègre", lorsqu'il a été fortement influencé par les sculptures primitives, notamment la sculpture africaine exposée à l'époque au Musée ethnographique de Paris. En conséquence, il présente des caractéristiques et des images anthropomorphiques inquiétantes. (Remarque : D'autres influences importantes sur Picasso, concernant cette peinture en particulier, étaient les œuvres de Cézanne (1839-1906) et de Paul Gauguin (1848-1903). Pour un autre style, voir aussi : Peintures de figures néoclassiques de Picasso (1906-30) .

Interprétation des Demoiselles d'Avignon

L'énorme composition (environ 8 pieds x 8 pieds 244 x 233 cm), qui aurait rempli un mur entier de son atelier exigu dans le bâtiment Bateau Lavoir à Montmartre, est une peinture figurative d'une scène dans un bordel. (Remarque : Le titre "Les Demoiselles d'Avignon" était une suggestion enjouée du poète et critique d'art André Salmon (1881-1969), qui prétendait voir une ressemblance entre les figures de Picasso et les prostituées de la Carrer d'Avinyo - rue d'Avignon - à Barcelone. Picasso lui-même l'appelait "my bordel".) La peinture nous présente une mosaïque inconfortable de fragments angulaires et superposés de cinq nus féminins, dont au moins deux regardent le spectateur de manière provocante. Ses « caractéristiques cubistes » se combinent puissamment avec ses formes violentes et ses masques animaliers pour choquer et interpeller le spectateur.

L'image est comme un gros plan cinématographique. Les cinq femmes - chacune mesurant plus de sept pieds de haut - sont étonnamment présentes, se pressant contre la surface de l'image. La couleur de leur chair les fait apparaître complètement nus plutôt que simplement nus. Et la façon dont les personnages sont regroupés est également frappante : il semble n'y avoir aucun lien entre eux, ce qui accentue le drame du tableau ainsi que son incertitude. Les deux femmes centrales, en particulier, sont particulièrement provocantes : elles fixent le spectateur sans expression, tout en levant les bras pour montrer leurs seins. Ces femmes - qui affichent toutes agressivement leur nudité - sont de vraies prostituées qui n'ont aucun scrupule à ce qu'elles ont à offrir. La tête d'une figure (en haut à droite) est recouverte d'un masque primitif tandis qu'une seconde figure, accroupie, (en bas à droite) est également masquée, bien que son visage soit composé de multiples vues, comme un puzzle mal agencé.

Ses caractéristiques "cubistes" incluent l'utilisation par Picasso d'images plates et éclatées, ainsi que de motifs de lumière et d'obscurité (par opposition aux volumes arrondis), afin de créer une sensation d'espace et de forme. La figure évasée (en bas à droite) est composée d'un collage de différents points de vue d'elle-même, tandis que les autres sont représentés sous une forme géométrique aplatie, avec seulement une tridimensionnalité minimale. Les composants picturaux tranchants, presque semblables à des éclats, l'imprègnent d'un sentiment troublant de violence et de puissance sexuelle.

Le point principal de Les Demoiselles d'Avignon était de contester les hypothèses normales du téléspectateur. Les nus gigantesques intrusifs, l'absence de perspective, la nature déconnectée du groupe, la juxtaposition de visages normaux avec des visages masqués, le fait que tous les cinq semblent être arrêtés dans le temps : tout cela a contribué au chaos kaléidoscopique et au sens pictural. anarchie. Même le petit tableau de fruits (en bas au centre), la première indication de l'intérêt de Picasso pour la nature morte, semble tomber d'un fragment renversé d'un bol. L'image était un acte révolutionnaire contre la tyrannie de l'art de la Renaissance, dont les principes directeurs de perspective, d'ombrage, de couleur et de composition devaient être détruits afin d'inaugurer de nouvelles façons de représenter la réalité. Le travail a ouvert la voie à l'explosion de l'art abstrait - en commençant par le cubisme analytique (c.1909-12) et le cubisme synthétique de Picasso (1912-14) - et culminant dans des mouvements d'art abstrait plus rigoureux comme le suprématisme russe (c.1913- 18) et le néerlandais De Stijl (1917-1931).

Les Demoiselles d'Avignon était le résultat final d'une période au cours de laquelle Picasso s'est fortement concentré sur l'analyse et la simplification de la forme. Lassé et frustré par la théorie conventionnelle de l'art en tant qu'imitation de la nature - une tâche efficacement maîtrisée par l'impressionnisme - il a atteint une sorte d'"expressionnisme intellectuel" qui permettrait aux peintres de dépeindre une nouvelle réalité basée sur le plan de l'image bidimensionnelle. Pourquoi Picasso a choisi un thème si choquant explicite pour son nouveau style d'art moderne, reste incertain. Cependant, il est connu pour avoir cru au pouvoir "rédempteur" de l'art d'"exorciser" les éléments négatifs, alors peut-être a-t-il pensé qu'un tel travail pourrait aider à lutter contre la prostitution et les maladies sexuelles.

L'œuvre avait subi d'importants changements au cours des cinq mois environ de sa gestation. Au départ, il y avait sept personnages : cinq femmes plus (à gauche) un homme debout tirant le rideau, ainsi qu'un marin (assis au centre). Picasso a alors effacé l'homme debout, le remplaçant par l'une des femmes. Peu de temps après, il enleva le marin. Il a également augmenté le sentiment d'agressivité sur la photo et a ajouté les deux masques.

Initialement montré uniquement à une poignée d'amis - dont Georges Braque, le critique Félix Fénéon (1861-1944), André Derain (1880-1954), Guillaume Apollinaire (1880-1918), le marchand de Picasso Daniel Kahnweiler (1884-1979), le Collectionneur russe Sergueï Chtchoukine (1854-1936) et Matisse (1869-1954) - le tableau a été si fortement critiqué que Picasso a décidé de ne pas l'exposer pendant près d'une décennie. En 1916, le tableau est exposé au Salon d'Antin, lors d'une exposition intitulée 'L'Art Moderne en France'. Picasso l'a appelé 'Le Bordel d'Avignon' mais André Salmon, l'organisateur du spectacle, lui a donné le nom plus anodin 'Les Demoiselles d'Avignon' (les demoiselles d'Avignon). Par la suite, le tableau resta chez son créateur jusqu'en 1924, date à laquelle il fut vendu au dessinateur Jacques Doucet (1853�), pour 25 000 francs. Ce prix artificiellement bas - Doucet a obtenu une évaluation de 250 000 francs quelques mois après l'achat - a été accepté après que Doucet aurait promis de léguer le tableau au Louvre. En tout cas, Les Demoiselles d'Avignon n'a été revu en public qu'en 1938, lorsqu'il a été acheté par le Museum of Modern Art de New York.

Explication d'autres tableaux de Picasso

• La Vie (La Vie) (1903)
Poignant hommage de Picasso à son ami Carlos Casagemas.

• Garçon avec une pipe (Garçon &grave la Pipe) (1905)
Portrait de la période rose qui s'est vendu 104 millions de dollars en 2004.

&# 149 Portrait de Gertrude Stein (1906)
Peinture ancienne du collectionneur d'art parisien.

• Femme assise (Picasso) (1920) Musée Picasso, Paris.
Une version merveilleusement moderne d'une pose antique standard.

&# 149 Grande Baigneuse (1921) Musée de l'Orangerie, Paris.
Directement inspiré de la haute sculpture athénienne classique du Parthénon.

• Deux femmes courant sur la plage (La course) (1922) Musée Picasso, Paris.
Tableau néoclassique mettant en scène des figures mythologiques dionysiaques.

• Femme en blanc (1923)
De la période néoclassique de Picasso.

• Femme qui pleure (1937)
Suivi plus généralisé de Guernica sur le thème de la souffrance à la guerre.


Grands travaux

Depuis qu'elle a été formée par son père, il y a eu un débat sur qui a réellement peint certaines pièces antérieures de Gentileschi. Le travail "Madonna and Child" est l'un de ces travaux qui a parfois été attribué à Artemisia, et parfois à son père. une femme tourmentée par deux anciens qui l'ont faussement accusée d'adultère après qu'elle les a rejetés Le travail de Gentileschi&aposs parvient à transmettre ce conflit d'une manière vivante et réaliste.

Certaines des peintures survivantes de Gentileschi&aposs se concentrent sur une protagoniste féminine. L'histoire de Judith est apparue à plusieurs reprises dans son art. Vers 1611,&# xA0Gentileschi a terminé "Judith terrassant Holopherne", qui représente Judith en train de sauver le peuple juif en tuant le général assyrien Holopherne. lui vers le bas. Peu de temps après avoir terminé ce travail (vers 1613), Gentileschi a peint "Judith et sa servante", qui montre la paire après la mort d'Holopherne & aposs, avec la servante tenant un panier contenant sa tête coupée.

En 1625, Gentileschi a de nouveau revisité l'histoire de Judith&aposs dans le tableau "Judith et sa servante et avec la tête d'Holopherne". sa tête coupée. Gentileschi a également abordé d'autres figures bien connues de l'histoire et de la mythologie avec des œuvres telles que "Minerve" (1615) et "Cléopâtre" (1621-22).


Anne Carson

Anne Carson est poète, essayiste, professeure de lettres classiques et traductrice. &ldquoDans le petit monde des gens qui suivent la poésie contemporaine&rdquo,&rdquo a écrit Daphne Merkin dans le Critique du livre du New York Times, Carson &ldquo a coupé une large bande, incitant à la fois l'envie et l'admiration.&rdquo Carson a gagné à la fois des éloges de la critique et un large lectorat au cours de sa carrière d'éditeur &ldquoinclassable». En plus de ses nombreuses traductions très appréciées d'écrivains classiques tels que Sappho et Euripide, et son rendu en triptyque de Une Orestie (2009), elle a publié des poèmes, des essais, des livrets, des critiques en prose et des romans en vers qui croisent souvent les genres. Connue pour son érudition suprême&mdashMerkin l'appelait &ldquoone des grands pasticheurs&rdquo&mdash sa poésie peut aussi être déchirante et elle écrit régulièrement sur l'amour, le désir, le désir sexuel et le désespoir. Toujours une poétesse ambitieuse quel que soit son sujet ou son genre, Merkin a écrit à propos de Carson&rsquos La beauté du mari, &ldquoJe ne pense pas qu'il y ait eu un livre depuis Robert Lowell&rsquos Études de la vie qui a fait avancer l'art de la poésie tout aussi radicalement qu'Anne Carson est en train de le faire.&rdquo Carson&rsquos collections récentes comprennent Nox (2010), Doc> rouge (2013), et Flotter (2016). Ses distinctions et récompenses sont nombreuses, notamment des bourses de la Fondation Guggenheim, de la Fondation MacArthur et de l'Académie américaine de Berlin. Elle a également reçu le Lannan Literary Award, le Pushcart Prize et le Griffin Poetry Prize.

Carson est née à Toronto, en Ontario, en 1950. Une rencontre au lycée avec un professeur de latin, qui a accepté de lui enseigner le grec ancien pendant l'heure du déjeuner, l'a menée à embrasser passionnément la littérature classique et hellénique, influences qui marquent toujours son travail. Carson a fréquenté l'Université de Toronto, même si elle a abandonné deux fois avant d'obtenir son baccalauréat, sa maîtrise et son doctorat en lettres classiques. Carson a enseigné dans de nombreuses universités aux États-Unis et au Canada, y compris McGill et l'Université du Michigan. Sa carrière d'éditeur a commencé avec Eros l'aigre-doux : un essai (1986), qui a également établi le style de Carson pour modeler ses écrits sur la littérature grecque classique. Des œuvres telles que Verre, ironie et Dieu (1992), Plainwater : Essais et poésie (1995) et Hommes pendant les heures creuses (2001) ont contribué à sceller la réputation de l'auteur comme unique parmi les poètes contemporains. Mais peut-être les exemples les plus largement reçus de sa spécialité particulière sont les romans en vers de Carson, Autobiographie de Red : un roman en vers (1998) et La beauté du mari : un essai fictif en 29 tangos (2001).

Autobiographie de Rouge (1998) s'inspire de la légende d'Hercule&mdashHerakles dans l'orthographe traditionnelle du conte de Steischoros&mdashdont le dixième travail était de tuer le monstre aux ailes rouges Geryon. En refondant l'histoire à l'époque moderne, Carson fait des choix importants. &ldquoÀ Steischoros, Héraclès tue Géryon et vole son bétail rouge,&rdquo a expliqué Adam Kirsch dans Nouvelle République. &ldquoDans Carson, Herakles brise le cœur de Geryon et vole son innocence.&rdquo Les deux personnages sont présentés comme des adolescents, Geryon (toujours rouge et arborant des ailes) un lycéen protégé et sensible et Herakles un voyou sexy et rebelle. Les deux commencent une liaison qui se termine car "Herakles ne peut pas égaler la totalité déchirante de l'adoration de Géryon", & raquo car Revue de Chicago le contributeur Mark Halliday l'a décrit. Des années plus tard, les deux personnages se rencontrent à Buenos Aires où Geryon tombe dans un ménage à trois destructeur avec Herakles et son nouveau petit ami, Ankash. Le livre a suscité de vives réactions dans plusieurs périodiques. Halliday a estimé que le livre était "volontairement fantaisiste et délicieusement particulier". Nation le critique Bruce Hainley a prononcé Carson & ldquoa philosophe du chagrin & rdquo et a déclaré que son poème épique avait été conçu pour & ldquoa un livre brillant sur le désir, le poète grec ancien Steischoros, les volcans et les joyeuses brutalités de la vue et de la cécité & rdquo Des débats faisant écho qui continuent de tourbillonner autour de la prose de Carson & rsquos- comme la poétique, Kirsch se demanda si Carson avait bien produit le vers promis dans le sous-titre du livre. &ldquoL'écriture est clairement de la prose»,» a-t-il soutenu, &ldquo répartie en une alternance de lignes longues et courtes, sans rigueur de mesure ou de rythme, la division entre une ligne longue et une ligne courte est uniquement typographique, ou au mieux syntaxique.»

La fable de Carson a continué à gagner la tête des comités de prix, cependant Autobiographie de Rouge &ldquo n'a pas été gagnant,&rdquo selon Heure internationale journaliste Katherine Govier. &ldquoPublished à peu d'avis . . . il a été principalement parlé par des écrivains ici et là. Talk est devenu un buzz lorsque le livre a remporté le prix de poésie QSPELL du Québec. À partir de là, le volume a remporté une nomination au National Book Critics Circle, faisant de Carson, né au Canada, l'un des deux premiers non-Américains à figurer sur la liste restreinte du Circle. Un tel bouche-à-oreille fait écho à la réception d'un autre livre de Carson, son premier volume Éros l'aigre-doux (1986). Selon John D&rsquoAgata dans le Revue de Boston, le livre & ldquo a d'abord stupéfié la communauté des classiques en tant qu'œuvre d'érudition grecque, puis il a stupéfié la communauté de la non-fiction en tant que retour inspiré aux essais lyriques autrefois produits par Seneca, Montaigne et Emerson, puis, et seulement alors, au plus profond des années 1990, réédité en tant que &ldquoliterature et repensé pour un tout nouveau public, il a finalement stupéfié les poètes.&rdquo D&rsquoAgata voit Carson&rsquos travailler plus tôt en tant qu'essayiste partout dans sa poésie, ainsi que sa profonde absorption des langues classiques. Le travail de Carson, affirme D&rsquoAgata, demande à quelqu'un de considérer "comment un poème peut-il être prosaïque, rhétorique ou argumentatif avant qu'il ne devienne tout autre chose, avant qu'il ne revienne à la prose, à l'essai ?"

Hommes pendant les heures creuses, un livre de poèmes plus courts qui incorporent & ldquoépitaphes, poèmes d'amour, vers-essais, prose commémorative, &lsquoshooting scripts&rsquo pour de prétendus drames télévisés et poèmes adressés à des peintures,» noté Éditeurs Hebdomadaire l'écrivain Stephen Burt, a été très bien accueilli. Examen de la collection pour Salon, Kate Moses l'a décrit comme une méditation sur le temps, notant également qu'il " englobe tout ce pique-nique que le temps s'étend derrière lui-même : la vie et le sexe et l'amour et la mort. " Il a reçu le prix Griffin de poésie et a été finaliste pour le gouverneur général. Prix ​​littéraire et celui du National Book Critics Circle Award. En 2001, Carson a également publié La beauté du mari : un essai fictif en 29 tangos, un roman en vers dont le sujet est « l'égarement de la luxure et la désaffection du cœur à travers une rupture conjugale », comme l'écrivait Daphne Merkin. Il a également reçu des éloges et a reçu le T.S. Prix ​​Eliot. En 2000, Carson a reçu une subvention de la Fondation MacArthur & ldquogenius & rdquo

Depuis son succès de 2001, Carson a publié un volume de &ldquopoetry, essays and opera,&rdquo Décréation (2005). Composé de courtes paroles, d'un scénario, d'un oratorio et de longues sections en prose qui mêlent critique littéraire et investigation philosophique, le livre prend comme titre et impulsion une idée de la philosophe Simone Weil. Comme l'explique Carson, la notion de Weil&rsquo de &ldquocreation&rdquo est &ldquo une annulation de la créature en nous&mdash cette créature enfermée en soi et définie par soi.&rdquo Comme Deryn Rees-Jones l'a noté dans le Indépendant, &ldquoin décréter que nous trouverions, dans notre extinction de soi, une plénitude métaphysique, en phase avec l'univers.&rdquo Décréation reçu des éloges de tous les côtés et Fiona Sampson, examinant le livre pour le Gardien alléguait qu'il « présente l'une des intelligences les plus idiosyncratiques à l'œuvre dans la littérature contemporaine », et qu'en dépit de son contenu qui varie les genres, il s'agit de « la plus grande de toute une poésie hellipinimitable ».

Carson continue d'être un traducteur important et passionnant d'écrivains classiques. Leçons de deuil : quatre pièces d'Euripide (2006) et Une Orestie (2009) ont tous deux suscité un débat critique. Dramaturge choquant à son époque, Euripide a atteint sa plus grande renommée pendant la guerre du Péloponnèse. Leçons de deuil présente quatre de ses tragédies les moins connues et offre "une sorte d'introduction sur les dangers intrinsèques d'une dévotion aveugle à l'idéologie", a écrit Hilton Als dans le New yorkais. UNE Editeur&rsquos Hebdomadaire examinateur a constaté que & ldquoCarson n'est rien de moins que brillant & mdashunfailliblement aiguisé dans la diction, audacieux et judicieux dans la prise de libertés. & rdquo Carson & rsquos traduction suivante, Une Orestie, est un composite de pièces traitant du sort de la maison d'Atrée et comprend Agamemnon par Aeshcylus, Électre par Sophocle et Oreste par Euripide. Le volume a reçu des critiques quelque peu mitigées pour ces libertés Brad Leithauser dans le Critique du livre du New York Times trouvé Carson&rsquos choix de diction irrégulière et souvent discordante contemporaine et &ldquofailed à trouver&hellipin Carson&rsquos traductions un sentiment d'un tout composite. Il y a des moments où sa diction s'abaisse si bas que j'avais du mal à me souvenir que j'avais affaire à des hommes divins dans leur splendeur. Nation, a constaté que bien que Carson, en tant qu'érudite, soit parfaitement consciente des différences entre les trois tragédiens, elle "ne réussit pas entièrement à les faire sonner correctement les uns des autres", bien que Wilson ait décrit la traduction de Carson comme un "mouvement" loin de l'idéologie claire d'Eschyle. Orestie vers le monde beaucoup plus complexe et ambigu d'Euripide&rsquo Oreste,&rdquo qui rend le travail d'autant plus important et &ldquortinent au climat politique actuel. &ldquo

S'adressant à la poétesse-critique Stephanie Burt, Carson a admis qu'elle se considérait au fond comme une artiste visuelle et non verbale : « Je n'ai pas beaucoup écrit jusqu'à ce que j'aie une vingtaine d'années parce que je dessinais. Je dessinais juste des images, et parfois j'écrivais dessus quand j'étais jeune, mais c'était surtout le dessin qui m'intéressait. Je ne me suis jamais considéré comme un écrivain !&rdquo Même après plusieurs volumes acclamés, &ldquoJe ne sais pas encore ce que je pense. Je sais que je dois faire des choses. Et c'est une forme pratique que nous avons dans notre culture, le livre, dans laquelle on peut faire des trucs, mais ça devient de moins en moins satisfaisant. Et je n'ai jamais eu l'impression que cela épuise toute idée que j'avais.


Marwar Art: Des Maharajas & Miniatures

Marwar est la terre désertique aride au bord du désert du Thar et elle tire même son nom du terrain accidenté et de la vie difficile dans la région. Les Rathores de Marwar, connus pour leur bravoure et leur courage, sont venus à Marwar de Kannauj, d'où ils contrôlaient auparavant l'Inde orientale et centrale.

Ils s'enracinèrent à Marwar au 13ème siècle et firent de Pali et Mandore leurs capitales. En 1459, l'un des souverains de Rathore, Rao Jodha, a établi la ville de Jodhpur près de Mandore, et de nombreux royaumes plus petits ont été créés par ses descendants à proximité de la capitale Marwar de Jodhpur.

L'art du Rajasthan est à la fois prolifique et diversifié, et la façon dont il a évolué dépend en grande partie du patronage des dirigeants des nombreux royaumes et États qui peuplaient la région. Basé sur la géographie, il est classé en quatre grandes catégories - Mewar, Marwar, Haroti et Dhundar.

Ici, nous explorerons le sous-ensemble Marwar de l'art du Rajasthan, qui comprend les miniatures de Jodhpur, Nagaur, Bikaner, Kishangarh et Sirohi. Les premières peintures de cette région étaient un illustré Ragmala ensemble peint en pali par Virji. Ces peintures sont dans l'idiome folklorique pur, avant que les éléments moghols n'apparaissent.

Jodhpur & Nagaur

Jodhpur était le siège principal des Marwar Rathores, abritant leur principal fort Mehrangarh et leurs cours. Les Maharajas de Jodhpur étaient d'importants mécènes de l'art et nous trouvons des œuvres d'art importantes de leurs ateliers au cours des quelque 600 années où ils ont gouverné la région de Marwar. La cour de Jodhpur fut l'une des plus prolifiques dans la création de miniatures.

La première période vraiment productive pour les miniatures de Jodhpur est survenue à l'époque du Maharaja Jaswant Singh au milieu du XVIIe siècle. Dans les périodes antérieures, les miniatures de Jodhpur étaient beaucoup plus indigènes, mais à son époque, de nombreuses conventions mogholes s'étaient infiltrées et Jaswant Singh avait passé beaucoup de temps à Kaboul, apportant une touche persane à l'art de Marwar. Il a également nourri un certain nombre d'artistes dans sa cour, ce qui a également abouti à de nombreux portraits du maharaja.

Son successeur, Ajit Singh, a été élevé par Veer Durgadas, qui avait capturé une partie de Marwar aux Moghols pour Ajit Singh. Ces événements ont été célébrés dans des peintures et des poèmes. Les portraits équestres étaient un favori à la cour.

Bakhat Singh, un fils d'Ajit Singh, a reçu Nagaur au début du XVIIIe siècle, et pendant son temps, la peinture à Marwar a pris tout son sens et a développé ses propres idiomes.

Outre ces scènes de cour, des festivals, des légendes et des contes, des textes religieux et des épopées ont été illustrés dans la cour de Marwar et de nombreux albums et folios de ce type sont exposés dans des musées du monde entier.

Bikaner a été fondée en 1489 par Bika Rathore, fils de Rao Jodha, qui avait établi Jodhpur. Les dirigeants de Bikaner étaient proches des Moghols depuis l'époque d'Akbar et occupaient des postes élevés dans sa cour.

The patronage of art in Bikaner started with Raja Rai Singh in 1573 and further expanded under Raja Karan Singh and his son Maharaja Anup Singh, from 1631.

Under Karan Singh, Ali Raza, who had migrated from the Mughal court, created some exceptional paintings, mixing the local Bikaner style with Mughal idioms and thus creating a new approach.

Anup Singh stayed in Hyderabad for a substantial period of time after the siege of Golconda in 1687. During this time, he established a library in Bikaner, which became a repository of medieval manuscripts and paintings. During this period, his chief painter was Ruknuddin, who mixed indigenous Rajasthani styles with Deccani and Mughal conventions. He painted many significant texts like the Ramayana, Rasikapriya et Durga Sapt Sati.

Besides Ali Raza and Ruknuddin, Ustad Nuruddin, Murad, Ustad Abdulla Qayamji, Shah Muhammed, Ustad Hasim and Bahaudin were patronised by the Bikaner court. Mostly Muslim, these artists painted Hindu themes exceptionally well. Bikaner’s miniatures, with their softness, delicate lines, subdued colour palate, exceptional composition and stylistic sophistication, is very close to Mughal art.

The small state of Kishangarh is primarily known for its miniatures, arguably some of the best known and aesthetically gratifying ones from Rajasthan. The state of Kishangarh was founded by Kishan Singh, son of the Maharaja of Jodhpur, in 1609. The Kishangarh school of art primarily evolved during the reign of Raj Singh and his son Sawant Singh, at the end of the 17th century. Both were talented artists and writers, and their atelier was home to artists like Bhawani Das, Surat Ram and Nihal Chand.

During Sawant Singh’s time, the art of Kishangarh reached great heights of aesthetic refinement. The artist Nihalchand, who was active during their rule, painted some of the most exquisite and noted paintings of the Kishangarh School.

The rulers of this kingdom were devotees of Krishna, with Raj Singh being a follower of Vallabhacharya Pushtimarg. Krishna lila and texts associated with Krishna like Gita-Govinda were thus a major part of Kishangarh art. One finds many regular themes in Kishangarh art, like the depiction of classic medieval texts, durbar scenes, festivities and religious epics.

One theme which sets Kishangarh apart is the depiction of Bani-Thani, an attendant of Raj Singh’s wife who caught Sawant Singh’s fancy and became his companion. He wrote about her in the poem Bihari Jas Chandrika, which became the basis of Nihal Chand’s famous painting. Sawant Singh and Bani Thani were depicted in many of the Krishna lila miniatures as Radha and Krishna. It is these paintings that make Kishangarh art incomparable.

Miniatures from Kishangarh are known for the blend of poetry and art, exceptional compositions, brilliant colour schemes, dynamic lines, panoramic landscapes and individualistic faces with pointed noses and chins, deeply curved eyes, and serpentine locks of hair, which became the ideal for all Rajasthani miniatures subsequently, especially for women.

Sirohi was a small kingdom near the present-day Rajasthan-Gujarat border. The state was founded by Runmal of the Deora clan in 1347. It maintained a degree of independence from both the Mughals and the Marathas for much of its existence it was also once a centre of Jainism. This is why one can see great similarities between miniatures from Sirohi and that of Gujarat.

The rulers of Sirohi were able administrators along with being patrons of art. Sirohi was known for the manufacture of double-edged swords from the mid-15th century till the mid-20th century. In the art of Sirohi, one finds little representation of the rulers and their lives.

Miniatures from Sirohi reflect two major themes. One of these themes is the representation of Jain themes like the depiction of Tirthankaras, illustrations of Jain texts and other such artworks done under Jain patronage. The Gurosan community was devoted to this and were known for their illustrations of Jain texts, which were mostly done under the supervision of Jain monks.

Another major theme in miniatures from Sirohi is illustrations of relatively non-religious texts and legends like the Ragamala, Baramasa, Nayika-bhed, Krishna-lila as well as legends like Laila-Majnu and Rukmini-harana.

The figures in Sirohi paintings tend to have flat features, round features and heavy bodies. The paintings use basic colours, the structures are usually flat and nature is neither too vibrant nor too formal. Many of the paintings have a distinctive red border.

The art of Marwar is full of details, references, allusions influences and history, and one can easily loose oneself in its diversity.


Painted Fragment of a Theban Woman - History

Images and Art

  • Abu Simbel
  • Abydos
  • Assouan
  • Caire
  • Dendera
  • Edfu
  • Giza
  • Kom Ombo
  • Louxor
  • Saqqara
  • The West Bank/Luxor
  • introduction
  • The New Egyptian Section
  • The Old Kingdom
  • The Middle Kingdom
  • The New Kingdom
  • Late and Ptolemaic-Roman Period
  • The Horemheb Reliefs
  • The Amulets
  • The Bronze Statuettes
  • The Funerary Objects
  • L'écriture
  • The Ushabti
  • The Virtual reconstruction of the Horemheb Tomb in Memphis
  • Funerary Stela
  • Relief from the Tomb of Mentuemhat
  • Reconstructed Predynastic Burial
  • Predynastic Jar
  • Model of a Butcher Shop
  • Book of the Dead
  • Lit
  • Mud Brick Stamped with Cartouche of Ramses II
  • Statue of the God Horus
  • Trial Piece
  • Bust of a Man
  • Potter
  • Colossal Statue of Tutankhamun
  • Mummy Mask
  • Coffin of Ipi-Ha-Ishutef
  • Butcher Slaughtering a Calf
  • The Mummy and Coffin of Meresamun
  • The Pyramids: Design and Construction
  • The Temple of Deir el Bahari (XVIII Dyn)
  • Abu Simbel - Nubia
  • The Alabaster Sphinx - Saqqara
  • Beit al-Wali - Nubia
  • Caesareum - Alexandria
  • The Catacombs of Kom es-Shouqafa - Alexandria
  • The Causeway - Saqqara
  • The Colossi of Memnon - Luxor
  • The Colossus of Ramesses - Saqqara
  • Crocodilopolis - Fayoum
  • Dionysias - Fayoum
  • The Early Kingdom Mastabas - Saqqara
  • Edfu - Nubia
  • Elephantine Island - Aswan
  • The Enclosure Wall - Saqqara
  • Geziret Fara'un - Sinai
  • The Great Pyramid of Cheops - Giza
  • The Great Sphinx - Giza
  • Kalabsha Temple - Nubia
  • Karanis - Fayoum
  • Karnak - Luxor
  • Kiosk of Qertassi - Nubia
  • The Maidum Pyramid - Dhashur
  • The Oracle of Amun - Siwa
  • The Palace of Amenhotep - Luxor
  • The Persian Shafts - Saqqara
  • Philae (Now on Agilika Island) - Nubia
  • The Pyramid Complex of Djoser - Saqqara
  • The Pyramid Complex of Menkaure - Giza
  • Pyramid of Amenemhat III (the Labyrinth) - Fayoum
  • The Pyramid of Chephren - Giza
  • The Pyramid of Meidum - Meidum
  • The Pyramid of Sekhemkhet - Saqqara
  • The Pyramid of Teti - Saqqara
  • The Pyramid of Unas - Saqqara
  • The Pyramids of Abu Sir - Abu Sir
  • The Pyramids of Dhashur - Dhashur
  • The Ramesseum - Luxor
  • The Serapeum - Saqqara
  • South Saqqara - Saqqara
  • The Step Pyramid of Djoser - Saqqara
  • Sun Temple of Abu Ghurab - Saqqara
  • Temple Dedicated to Sobek - Fayoum
  • The Temple of Abydos - Abydos
  • Temple of Deir el Bahari - Luxor
  • The Temple of Dendera - Dendera
  • Temple of Dush - Kharga
  • Temple of Hibis - Kharga
  • The Temple of Luxor - Luxor
  • Temple of Ramesses III - Luxor
  • The Temple of Taposiris Magna - Alexandria
  • Three Minor Pyramids - Giza
  • The Tomb of Ankh-mahor - Saqqara
  • The Tomb of Kagemni - Saqqara
  • The Tomb of Mereruka - Saqqara
  • The Tomb of Princess Idut - Saqqara
  • The Tomb of Ptah-hotep - Saqqara
  • The Tomb of Queen Nebet - Saqqara
  • The Tomb of Ti - Saqqara
  • The Tombs of the Nobles - Aswan
  • The Tombs of the Nobles - Luxor
  • Unfinished Obelisk - Aswan
  • The Valley of the Kings - Luxor

Tomb of the Sons of Ramses II (recently discovered in the Valley of the Kings)
More on the Tomb of the Sons of Ramses II (no images)
The Window of Appearance: The Temple Palace of Rameses III at Medinet Habu 1175 BC, with a Quicktime movie of the The Rising of Rameses III ("Symbolism in Architecture", Mohammed Motlib)
Centre for Computer-Aided Egyptological Research (CCER), with two Quicktime VR objects, one of a statue of the goddess Selket from the Tomb of Tutankhamun and the other of a statue of the royal scribe Nebmertouef
Summaries of notable Egyptian Gods (Shawn C. Knight)


Important Art by Jenny Saville

Branded (1992)

In this monumental nude self-portrait ample breasts and dimpled folds of flesh loom large on the canvas. Viewed from below, the weighty figure dominates the frame. On the fleshy torso, Saville has inscribed the words of French feminist theorist Luce Irigaray: "delicate," "supportive," "irrational," "decorative," and "petite," all written backwards. Using this as a means of countering preconceived notions about the representation of women, Saville has literally branded these words on the painted flesh. Characteristic of the artist's early work with the female nude, Marque presents a direct and unidealized image of the female body.

Regarding this early work, Saville has said: "I'm not painting disgusting, big women. I'm painting women who've been made to think they're big and disgusting." In this and other early paintings, Saville subverts traditional notions of female beauty and femininity that have long dominated Western art. Dans le cas d Marque this challenging of convention takes place through the artist's use of her own body. Art Historian Marsha Meskimmon has argued that "Saville's work interrogates our perception of the female body in challenging ways. To use the self in this way is to come full circle in the questioning of fixed identity and the body." An important early work, Marque was included in Saville's acclaimed 1992 Glasgow School of Art graduation exhibition, which propelled her to fame as one of the Young British Artists. Marque is often cited as a painting which made figurative painting popular in contemporary art. The work challenges the typical female nude (which is small, delicate, and 'beautiful') by making a huge painting with thick paint, which looks down on the viewer and flows out of the edges of the picture plane.

Plan (1993)

Saville's striking self-portrait, Plan, makes use of extreme foreshortening to present an uncompromising image of the female nude. Working from photographs rather than life, she presents a snapshot, a fleeting glimpse of a figure that struggles to be contained within the frame. The brushwork is both delicate and aggressive, often building up thick impasto on the painting's surface. She is nonetheless able to capture every vein, every dimple, every splotchy bit of flesh, and every strand of hair. Looking directly at the viewer over the marked terrain of her body, Saville calls our attention to complicated issues surrounding women's bodies, plastic surgery, and the "cult of exercise." The lines drawn on the flesh resemble the lines on a topographical map. They also reference the lines drawn by plastic surgeons on the skin of their patients in preparation for body altering surgeries. Saville has said: "The lines on her body are the marks they make before you have liposuction done to you. They draw these things that look like targets. I like this idea of mapping the body, not necessarily areas to be cut away, but like geographical contours on a map. I didn't draw on to the body. I wanted the idea of cutting into the paint. Like you would cut into the body. It evokes the idea of surgery. It has lots of connotations." Regarding these inscribed lines, some scholars have suggested: "In this mapping of the body as an area of problematic terrain a relationship is set up between perceptions of the natural and the planned. The question of who is exercising control over this 'plan' remains troubling and implicates the viewer of the image."

Plan was painted in 1993 and later exhibited by Charles Saatchi in Young British Artists III at the Saatchi Gallery in 1994. It was also included several years later in Sensation, the groundbreaking and controversial 1997 exhibition of Young British Artists at the Royal Academy of Art. An important early work by Saville, Plan is emblematic of her concern for depicting women as subjects rather than objects and is another painting in which the artist is both the subject and the painter, something that had previously been almost unheard of, especially in paintings of nudes. In her attempt to draw on the history of the female nude, while also showing women as they see themselves, Saville has given her figures a weighty presence that combines empathy, apprehension, vulnerability, and awe.

Passage (2004-05)

Dans Passage, a striking, confident nude woman is shown in a near recumbent position with outstretched legs that extend out beyond the picture frame. Thickly painted, though seemingly unfinished, Passage continues Saville's interest in sensuously painted, fleshy bodies that defy traditional representations of the reclining nude. The flesh is depicted with powerful and aggressive, though sumptuously handled brushwork that reveals the influence of a painter like Willem de Kooning, who was similarly drawn to representations of the body and flesh. The figure, a transgender woman with a 'natural' penis and surgically enhanced breasts, reclines provocatively, looking seductively at the viewer. Dans Passage, the position of the figure and the handling of the brushwork direct our gaze from the legs over the torso and breasts, to the head, creating a landscape of the body, a sort of "gender landscape," to use Saville's terminology.

Passage was painted when Saville was living and working in Palermo, Sicily. During this time, she began photographing transvestites and transgender people in Rome, which she then used as source material. Saville was interested in these bodies as hybrids that are both natural and artificial. Même si Passage was painted from photographs, it is not a portrait in the traditional sense. She has said that she tried "to find bodies that manifest in their flesh something of our contemporary age. I'm drawn to bodies that emanate a sort of state of in-betweeness: a hermaphrodite, a transvestite, a carcass, a half-alive/half-dead head." At a time when LGBTQIA issues are coming to the fore, Passage reveals the body as a social construct and sympathetically represents an untypical, transgender woman's body. The figure floats, according to Linda Nochlin, in "that postmodern realm of gender nirvana, brilliantly theorized by Judith Butler as a zone of shifting sexual identities and the rejection of essential difference between male and female."


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